114 JAZZ-BLUES-FUNK (s)

La chanteuse coréenne "Made in France" présente son onzième album. Tout juste 20 ans après la sortie de Light for the people, qui l'a présentée au public français, Youn Sun Nah publie Waking World, le premier album dont elle a écrit l'ensemble des paroles et de la musique : 11 chansons fidèles aux différents univers de sa discographie, empruntant tantôt au jazz, à la pop, à la folk et aux musiques du monde et révélant de nouvelles dimensions cinématographiques et poétiques. Encore plus que sur ses précédents disques, le sillon de celui-ci est empreint de sa propre histoire.

Ce concert a été filmé pour la télévision et une partie fut d'ailleurs programmée à la TV. Deux morceaux ont malheureusement été omis de la production télévisuelle, mais sont sur ce CD, une version puissante de Light (Montage) tirée de Black, brown and beige, et le Come easter. Le concert comprend donc la première et seule représentation d'une nouvelle composition d'Ellington, Come easter, une première d'une autre nouvelle pièce Ellington West indian pancake, et l'une des premières représentations d'une pièce qui deviendra une partie importante de nombreux concerts au cours des années suivantes : La plus belle africaine. Coventry, elle a été présentée en "rappel" durant la soirée et a conclut un concert unique de manière vraiment appropriée.

Sur ce disque, le douzième album studio de Ben, accompagné ici par Charlie Musselwhite, se mêlent à la fois gospel, country et rhythm & blues. Cette alchimie lui permet d'élargir sa palette artistique de manière inédite. Harper, Musselwhite et le groupe composé du guitariste Jason Mozersky, du bassiste Jesse Ingalls et du batteur Jordan Richardson, interprètent ces chansons intenses et poignantes en faisant le choix de la simplicité. Produit par Harper et co-produit par Sheldon Gomberg, les membres du groupe, et le célèbre producteur Chris Goldsmith, ''Get up !'' semble intemporel, comme s'il avait été enregistré il y a quarante ans à Chicago aux studios Chess et non au Carriage House à Los Angeles. Il s'agit du disque que Harper avait toujours souhaité enregistrer tout en sachant qu'une certaine expérience de la vie était nécessaire à sa réalisation...

L'album se démarque totalement des précédents projets de l'artiste puisque pour la première fois, Ibrahim propose un duo intimiste avec son ami et collaborateur de plus de 10 ans, le guitariste belge François Delporte. Le duo revisite les mélodies d'Ibrahim qui ont marqué les esprits, que ce soit sur ses albums comme sur ses bandes originales, mais aussi quelques titres inédits. Le tout avec l'apparition d'une ribambelle d'invités surprises prestigieux : Sting, Matthieu Chedid, Alfredo Rodriguez, Richard Bona, Trilok Gurtu, Hüsnü Senlendrici, Jon Batiste, Arturo Sandoval, et bien d'autres. Ibrahim revient donc à ses origines et à l'essentiel : une trompette, une guitare et 40 mélodies, pour fêter ses 40 ans.

Avec Return From The Stars, Mark Turner nous offre un opus exaltant et réfléchi, doté d'une magistrale démonstration de ses talents d'écriture en ménageant dans ses compositions de l'espace à ses partenaires pour qu'ils expriment pleinement leur sensibilité. Les solos surgissent de manière organique des arrangements tandis que la section rythmique composée de Joe Martin et Jonathan Pinson assure avec fermeté et liberté un support constamment créatif aux échanges souvent éblouissants entre le saxophone ténor de Turner et la trompette de Jason Palmer.

Après `The Call Within' en 2020, le pianiste et compositeur virtuose revient avec 'StandArt', son premier album de reprises de standards américains. L'album comprend des chansons des années 1920 aux années 1950, de Richard Rodgers, Charlie Parker, Jerome Kern, David Raksin et d'autres, ainsi qu'un morceau que Hamasyan a improvisé avec ses camarades de groupe - le bassiste Matt Brewer et le batteur Justin Brown - et le trompettiste Ambrose Akinmusire. Parmi les autres invités spéciaux figurent les saxophonistes Joshua Redman et Mark Turner.

Ce projet d'"Aube gitane" marque un tournant majeur, qui n'a rien d'innocent dans le parcours d'un guitariste estampillé "manouche". Car si le mot a une étymologie de portée universelle (manu signifiant "homme" en sanscrit), il est bien souvent réduit au sillage quasi mystique d'un musicien de génie : Django Reinhardt. L'aube de Steeve Laffont marque l'échappée de son art en dehors de cette tradition, devenue classique. Ses compositions personnelles, au centre de l'album, offrent les ingrédients d'une recette insolite : toucher manouche, effluves flamenco, ruptures bossa nova, épices indiennes, rythmes klezmer et couleurs espagnoles. Steeve se laisse bercer par ce qui a fait l'essence même de la culture tzigane : le voyage et l'inattendu. L'album est le récit de cette émancipation, cette joie de n'avoir désormais aucun compte à rendre, aucun legs à respecter mais de si nombreuses racines à faire germer. Avec la complicité de virtuoses que sont Costel Nitescu au violon, Dominique Di Piazza à la basse - que John Mac Laughlin présente comme "l'un des plus grands bassistes au monde" et l'indispensable compagnon Rudy Rabuffetti à la guitare rythmique, les compositions ne sont jamais des tours de force mais des tours de magie.

Qu'il parle du Ku Klux Klan qui rôde, de ses cinq mariages, de ses galères ou de la foi, Mighty Sam McClain se révèle, outre un fantastique chanteur, un conteur hors pair. Un vrai chanteur de blues et de soul, injustement méconnu en France, qui a "vécu le blues" avec une carrière heurtée jalonnée de nombreuses embûches. Quittant le domicile familial à l'âge de treize ans pour fuir un beau-père abusif, il a sillonné les sinueuses routes du blues depuis plus de soixante ans. Son partenaire musical, le norvégien Knut Reiersrud, fait partie de ces innombrables guitaristes européens influencés par le blues originel ainsi que par le rock et r'n'b. Cet album se situe donc à la croisée des routes de deux musiciens de blues de génération différente. C'est une rencontre fertile et inspirée ! Cuivres, piano, orgue Hammond, orchestres à cordes et pleurs de guitare se mêlent à merveille ; l'ambiance est nerveuse et la rythmique gonflée à bloc !

On découvre ici une Esperanza Spalding magicienne, et c'est dans la sphère de la créativité qu'elle jette ses sorts musicaux, autant de titres qui explorent les différentes parties du corps, l'énergie humaine et l'art du guérisseur. C'est un projet où cette unique bassiste, chanteuse et compositrice choisit de s'entourer de la plasticienne Carmen Daneshmandi, du directeur d'opéra et de théâtre Elkhanah Pulitzer, du costumier Diego Montoya, ainsi que du vidéographe Ethan Samuel Young. Chaque membre de cette équipe aura créé un élément clé des 12 Little Spells sans avoir entendu une seule note de la musique, s'inspirant uniquement du titre du projet et des différents noms qu'Esperanza a donnés aux sortilèges.

Une grande variété de timbres à savourer. Parfois les percussions métalliques sont "déguisées" par l'ajout de petits objets qui changent leurs résonances ; parfois les gongs sont joués dans l'eau ce qui permet des variations d'hauteur... De multiples procédés sont utilisés pour donner à chaque instrument un caractère propre et inattendu...

Ben Harper revient avec son 18ème album studio « C'était comme si prenais un nouvel élan et que je m'aventurais dans des endroits où je n'étais jamais allé auparavant. J?oubliais tout ce que j?avais appris des autres disques, je faisais table rase du passé et je recommençais à zéro », dit Ben Harper à propos de son nouvel album Bloodline Maintenance. Le résultat est une oeuvre courageuse et immensément « soul », largement inspirée par la perte d'un ami de longue date et l'influence persistante d'un père charismatique au caractère versatile. Bloodline Maintenance est une oeuvre à la fois politique et révélatrice sur le plan personnel. Il s?agit de musique soul, mais jamais d?un hommage stérile à une époque révolue. Harper reconnaît qu'une grande partie de l'élaboration du disque a été nourrie par une prise de conscience de l?écoulement du temps. « J?ai beaucoup pensé à cette notion de mortalité ainsi qu?aux personnes que nous avons perdues. Peut-être que finalement rien ne compte au-delà des moments que nous avons passés ensemble. »

Entouré de quelques-uns des meilleurs jazzmen danois, les deux pieds fermement ancrés dans la tradition et un oeil tourné vers le futur, le norvégien nous offre un ensemble de compositions où la batterie agit constamment comme l'élément central d'une rythmique vigoureuse, tout autant dans les moments d'obédience gospel et d'inspirations latines que dans les balades sphériques. Passant d'une rêverie exotique à un blues terrestre et inédit, la démarche du batteur est solide et assurée. Voilà une musique qui a de l'âme et du swing.

Cet album est une ode à la vie, au fait d'être encore en forme et d'en adorer chaque instant. Ce bon vieux Seasick nous a concocté son cocktail habituel de boogie, de blues, de rock, d'américana et de folk.

Produit par French Paradox et sous la direction musicale de Miguel Zenon, ce premier album du batteur-compositeur Raphaël Pannier traduit sa double culture française et américaine et propose des compositions personnelles, des standards et des interprétations originales de deux oeuvres classiques d'Olivier Messiaen et de Maurice Ravel.

Celui que Francis Marmande a décrit dans Le Monde comme "la meilleure nouvelle du jazz européen depuis longtemps" a mis sur pied un sextet franco-américain de haute volée pour cet album, le septième qu'il signe en leader ou co-leader chez ACT. "Il était temps pour moi de revenir à la source de l'amour que je porte à cette musique", explique Emile Parisien. Un retour aux sources qui prend tout son sens dans le choix de collaborer ici avec le trompettiste Theo Croker. Parisien et Croker se rencontrent en 2018 sur la tournée Jazz Animals et développent vite une connexion musicale forte doublée d'une vraie amitié. La présence énergique du batteur Nasheet Waits court tout le long de l'album, et il forme une rythmique très soudée avec Joe Martin, l'un des bassistes les plus demandés de la scène new-yorkaise. Manu Codjia et Roberto Negro, quant à eux, sont deux des plus proches complices musicaux d'Emile Parisien. Louise est un album remarquable sur lequel cohabitent une énergie féroce et une vraie douceur. Les subtilités et les joies émergent au fil des écoutes d'un disque qui dit, plus qu'aucun autre à ce jour, le caractère et de la personnalité créative exceptionnels de l'un des musiciens de jazz les plus importants d'Europe.

"Au printemps 2020, le temps s'est arrêté. Forcé a annuler des dizaines de concerts, près des miens dans mon appartement, malade, j'ai été poussé à l'introspection. Un arrêt sur conscience au carrefour de mes cinquante ans et de la fin du monde ou du moins de ce monde que j'ai connu et qui m'était familier. J'ai profité de cette brêche dans l'espace temps pour faire un disque de mélodies intimes, telles des fulgurances de ma jeunesse musicale du temps d'avant le temps d'avant lorsque je n'imaginais pas enregister des disques, parcourir les cieux et jouer pour les gens, lorsque personne ne pouvait imaginer avoir un jour à convaincre des algorythmes, et non des coeurs du bien fondé de nos oeuvres. J'ai donc joué au temps présent, du mieux que j'ai pu ; pour nous les humains. Je me suis échappé de mon confinement, d'un air conspirateur toutes les semaines pour enregistrer un bout de ma solitude et le mettre de côté. Des pensées isolées, arêtées dans le temps et l'espace. Comme nous l'étions. L'étions-nous ?" Giovanni Mirabassi